È morto Jean-Luc Godard, il brillante e polemico regista franco-svizzero il cui lavoro ha rivoluzionato il cinema. Aveva 91 anni.
La morte di Godard è stata riportata dal quotidiano francese Liberation, che non ha specificato immediatamente la causa della morte.
Ex critico cinematografico che ha scritto per i leggendari Cahiers du Cinéma durante il periodo d’oro degli anni ’50, Godard è emerso sulla scena nel 1960 con il suo primo lungometraggio, Fino all’ultimo respiro, che ha vinto l’Orso d’argento al Festival di Berlino.
Il film drammatico ambientato a Parigi, interpretato da Jean Seberg e Jean-Paul Belmondo, ha cambiato per sempre il corso dei film e ha annunciato l’arrivo del modernismo cinematografico. Usando salti, cenni alla telecamera e altri dispositivi meta-fiction, Fino all’ultimo respiro ha costantemente interrotto e commentato la storia mentre stava accadendo.
In effetti, il principale contributo di Godard al cinema è stata la sua idea che un film fosse sia la storia che stava raccontando sia la storia del film stesso: come è stato realizzato e come lo spettatore l’ha appreso. Tutti i film di Godard riguardavano, in un certo senso, il cinema.
Nel corso di una carriera durata più di mezzo secolo, Godard ha diretto quasi 70 lungometraggi, documentari, cortometraggi e opere per la televisione. La sua opera ha cambiato rotta più volte, dai suoi primi lungometraggi che offrivano astuti omaggi pop-art ai film di Hollywood ai suoi film apertamente politici della fine degli anni ’60 e ’70, ai suoi esperimenti con video e narrazioni frammentate alla fine degli anni ’70 e ’80 , ai suoi film di montaggio autobiografici e storici degli anni ’90 e oltre.
Fino alla fine, Godard è rimasto un polemista schietto e un innovatore cinematografico, con opere successive come Film Socialisme (2010) e Goodbye to Language (2014) che giocano con 3D, filmati con fotocamera e persino sottotitoli.
Quei due film sono stati proiettati in concorso al Festival di Cannes, dove hanno vinto rispettivamente il Premio della Giuria e una Palma d’Oro Speciale, anche se Godard non ha mai ricevuto il primo premio del festival in vita sua. Né ha mai vinto il Cesar Award in Francia, per il quale è stato nominato due volte, mentre negli Stati Uniti è stato insignito di un Oscar onorario nel 2010.
Famoso per i suoi commenti acerbi e politici che hanno arricchito la sua raccolta di scritti, interviste e conferenze stampa, nonché i dialoghi e le voci fuori campo dei suoi film, Godard è stato un critico schietto di tutto, da Charles de Gaulle alla guerra del Vietnam, a Hollywood, al capitalismo, ai registi di cui ha distrutto il lavoro nelle sue recensioni o in pubblico, compresi i film di contemporanei come il collega regista francese della New Wave Francois Truffaut, con il quale si è separato pubblicamente alla fine degli anni ’70.
Ma Godard era anche un satirico caustico ed esilarante, riempiendo i suoi film di decine di giochi di parole, battute e semplici vecchie farse. Il suo senso dell’umorismo è spesso passato al suo personaggio pubblico, dove si nascondeva dietro occhiali colorati e nuvole di fumo di sigaretta o di sigaro. Nelle sue opere successive, Godard tendeva a interpretare il ruolo di uno squilibrato intellettuale di sinistra Groucho Marx, facendo battute e dichiarazioni politiche a piacimento.
Tra le sue tante battute citabili, forse la più famosa deriva da una voce fuori campo nel suo secondo lungometraggio, il thriller di spionaggio Le Petit Soldat (1960): “La fotografia è verità. E il cinema è verità ventiquattro volte al secondo».
Nato a Parigi il 3 dicembre 1930, Jean-Luc Godard era figlio di genitori protestanti che vivevano tra Francia e Svizzera, trasferendosi definitivamente in quest’ultima nel 1933. Suo padre, Paul Godard, era un medico. Sua madre, Odile Monod, era la discendente di un famoso pastore svizzero e la nipote di un ricco banchiere vicino al poeta francese Paul Valery, i cui scritti sarebbero poi stati citati nei film di Godard.
Un bambino atletico che amava il calcio, lo sci e il basket – e che avrebbe sviluppato una passione per il tennis per tutta la vita – Godard era anche uno studente povero che aveva bisogno di tre tentativi per superare l’esame di maturità. Dopo il liceo, si iscrive alla Sorbona di Parigi, ma presto abbandona i corsi per i cinema e i cineforum del Quartiere Latino, dove incontra i colleghi cinefili Truffaut e Jacques Rivette.
I tre, insieme a Claude Chabrol e Maurice Scherer (alias Eric Rohmer), iniziarono a scrivere per una rivista chiamata Gazette du Cinéma . Nel 1952 Godard pubblicò i suoi primi articoli sui Cahiers du Cinéma , fondato l’anno precedente. Ha recensito Strangers on a Train (1951) di Alfred Hitchcock e ha scritto un saggio intitolato “Defense and Illustration of Classical Découpage” che sarebbe servito come base per il suo lavoro critico degli anni ’50, incluso il suo influente articolo del 1956 “Montage, My Fine Care. “
Ma Godard fu presto espulso dal gruppo dei Cahiers dopo aver rapinato la cassa della rivista ed essere scappato in Svizzera, dove avrebbe diretto il breve documentario Operation Beton (1955). Il furto non è stato il primo per il giovane critico cinematografico, noto per essere un cleptomane, rubando dai caffè, dalle case di amici e conoscenti e persino dalla collezione di libri del nonno.
Tornato a Parigi nel 1956 dopo un periodo in televisione svizzera e un soggiorno in un ospedale psichiatrico a Losanna, Godard ha lavorato per due anni come pubblicista per la 20th Century Fox, scrivendo materiale per la stampa per le pubblicazioni di Hollywood in Francia. Ha continuato a scrivere recensioni per i Cahiers du Cinéma e ha diretto tre cortometraggi: All the Boys Are Called Patrick (1957); Una storia d’acqua (1958), co-diretto con Truffaut; e Charlotte and Her Boyfriend (1958), quest’ultimo con Belmondo.
Belmondo avrebbe continuato a interpretare il gangster sprezzante Michel Poiccard nel debutto rivoluzionario di Godard, Breathless , con la star di Hollywood Jean Seberg che interpretava il suo New York Herald Tribune – pubblicizzando interesse amoroso. Basato su uno scenario di Truffaut (a sua volta basato su una storia di un vero crimine) e girato nel 1959 con un budget estremamente basso – l’equivalente di $ 90.000 oggi – la produzione ha sofferto dei continui dubbi e sbalzi d’umore di Godard, quasi trasformandosi in un disastro. Invece, Breathless è diventato una sensazione quando è stato rilasciato l’anno successivo, trasformando il suo regista 28enne in una star lui stesso.
Il successo di pubblico e di critica di Breathless segnerà il trionfo della New Wave francese, con il film di Godard che si unisce a I 400 colpi di Truffaut (1959) e Le Beau Serge (1958) di Chabrol come precursori di un cinema più giovane, più libero e più irriverente che era molto diverso dalla maggior parte delle produzioni in studio realizzate in quel momento.
Godard avrebbe continuato a girare una serie di film sulla scia di Breathless , molti dei quali ora considerati i suoi lavori più grandi e probabilmente i più accessibili. È stato anche ambito più volte da Hollywood durante quel periodo e ad un certo punto è stato incaricato di dirigere Warren Beatty in Bonnie and Clyde prima che Arthur Penn prendesse il sopravvento.
Dopo Le Petit Soldat (pubblicato alla fine nel 1963), ha realizzato altri 15 lungometraggi nel corso del decennio, sperimentando diversi generi, stili e forme di narrazione. I suoi migliori film degli anni ’60 includono il musical menage a trois A Woman Is a Woman (1961), il dramma sulla prostituzione Vivre Sa Vie (1962), la lussureggiante tragedia dietro le quinte Contempt (1963), il gangster ironico il film Bande una parte (1964), il film di fantascienza d’avanguardia Alphaville (1965), il thriller romantico Pierrot le Fou (1965), il film per ragazzi in vero stile Masculin Feminin (1966), lo studio sul set di banlieue Two or Three Cose che so di lei(1967) e l’oscuro road movie decostruito Week-end (1967).
Molti dei primi capolavori di Godard hanno come protagonista la modella di origine danese trasformata in attrice Anna Karina, che ha interpretato il ruolo di Veronica Dreyer in Le Petit Soldat e che il regista ha poi sposato nel 1961. I due avrebbero avuto una relazione prolifica anche se molto tumultuosa – alcuni dei quali sono stati romanzati in Contempt , con Brigitte Bardot al posto di Karina – che si è concluso con il divorzio nel 1965. Due anni dopo, Godard sposò la giovane attrice francese Anne Wiazemsky, con la quale rimase sposato fino al 1979.
Wiazemsky, che ha iniziato la sua carriera di attrice in Au Hasard Balthazar (1966) di Robert Bresson, è stata scelta per la prima volta da Godard nel suo film studentesco maoista La Chinoise (1967). Quel film, insieme a Week-end e agli eventi del maggio 1968, segnò una svolta nel lavoro dell’autore verso i suoi sforzi apertamente politici tra la fine degli anni ’60 e l’inizio degli anni ’70. (La transizione è stata romanzata nel film Godard Mon Amour di Michel Hazanavicius del 2017. )
Durante quel periodo, Godard si unì a una banda di attivisti e registi di sinistra, incluso il regista Jean-Pierre Gorin, per formare il gruppo Dziga Vertov. Ha firmato diversi lungometraggi a nome del collettivo, in particolare Wind From the East (1970), Tout va bien (1972) e Letter to Jane (1972). Gli ultimi due hanno caratterizzato la star americana Jane Fonda, allora all’apice del suo attivismo contro la guerra del Vietnam.
Godard ha continuato a essere prolifico per tutti gli anni ’70, anche se ha smesso di fare opere puramente di fantasia e ha girato numerosi documentari, tra cui due lunghe serie televisive: Six fois deux di 10 ore nel 1976 e France/tour/detour/ di cinque ore deux/enfants nel 1979. Ha anche realizzato un documento di musica sperimentale, One + One (1968), in cui i Rolling Stones registravano “Sympathy for the Devil” a Londra.
Entro la fine del decennio, Godard si era separato dalla maggior parte dei suoi amici dei tempi dei Cahiers du Cinéma , arrivando al punto di insultare pubblicamente Truffaut in un’intervista del 1978 affermando di “non avere idea di come fare film”. Truffaut ha risposto con una lettera in cui diceva a Godard di rimanere concentrato sul suo prossimo film autobiografico, che dovrebbe intitolarsi “A Shit Is a Shit”. I giorni di gloria della New Wave erano finiti.
Nel 1977, Godard è tornato in Svizzera, stabilendosi nella tranquilla città lacustre di Rolle con la regista Anne-Marie Miéville, che è diventata sua partner dopo che un grave incidente in moto aveva lasciato il regista ricoverato in ospedale diversi anni prima. I due sarebbero rimasti a Rolle per il resto della vita di Godard, con la società di produzione di quest’ultimo, Sonimage, che operava nello stesso edificio in cui vivevano.
A seguito di un tentativo fallito di realizzare un film di Bugsy Siegel intitolato The Story , con Francis Ford Coppola che produce e Diane Keaton come una delle protagoniste, Godard è riemerso nel 1980 con il suo primo lavoro di fantasia in più di un decennio, Every Man for Himself . Interpretato da Isabelle Huppert, Jacques Dutronc e Nathalie Baye, il film ha utilizzato una narrativa frammentata e sequenze al rallentatore estreme per ritrarre le vite di tre personaggi disparati: una prostituta, un divorziato e la sua ex moglie.
Presentato in anteprima in concorso a Cannes, Every Man for Himself è stato salutato da alcuni critici come un importante ritorno per Godard e ha ottenuto più di 600.000 spettatori in Francia, diventando così il suo più grande successo nazionale dagli anni ’60. Ha dato il via a una nuova fase più spirituale e poetica della sua opera che si sarebbe manifestata nella mezza dozzina di film che ha girato nel decennio successivo, tra cui Passion (1982), First Name: Carmen (1983), Detective (1985), Ave Maria (1985) e Re Lear (1987).
King Lear , prodotto dai giganti del cinema d’azione di Hollywood Golan-Globus e caratterizzato dal cast eclettico di Norman Mailer, Molly Ringwald, Woody Allen, il regista teatrale Peter Sellars e lo stesso Godard nei panni di un personaggio pazzo di nome Professor Pluggy, è esemplare del tipo di film densi, difficili, assurdi e squisitamente realizzati che ha realizzato durante la seconda metà della sua vita. L’accoglienza della critica per King Lear , come per la maggior parte degli sforzi dell’autore, è stata estremamente divisiva, con il Washington Post che ha condannato “l’assoluto disprezzo di Godard per una presentazione coerente e sostenuta” delle sue idee e il Los Angeles Times che lo ha affermato “un’opera di genio certificato .”
Il regista ha continuato i suoi esperimenti di narrativa per tutti gli anni ’90 con film come Nouvelle Vague (1990) con Alain Delon, Hélas pour moi (1993) di Gerard Depardieu e For Ever Mozart (1996) ambientato a Sarajevo , che sono stati sostenuti da alcuni critici ma non è riuscito a raccogliere molto seguito teatrale.
Durante quel periodo, Godard ha anche completato un enorme progetto di 266 minuti intitolato Histoire(s) du cinema , che è stato proiettato per la prima volta a Cannes nel 1988 e inizialmente trasmesso sulla rete via cavo francese Canal Plus. Composto da interviste, spezzoni di film classici, filmati d’archivio e altre immagini montate insieme in modo simile a un collage, Histoire(s) in otto parti ha rivisitato sia la storia del cinema che i tempi turbolenti del 20° secolo, incrociando il lavoro del campione di Cahiers registi come Howard Hawks e Hitchcock con eventi cruciali come la Seconda Guerra Mondiale e l’Olocausto.
Histoire(s) , sebbene mai ampiamente distribuito, è ora considerato una parte importante della filmografia di Godard. In un’intervista al quotidiano francese Libération pubblicata anni dopo la sua uscita, ha descritto il progetto come “un po’ come il mio album fotografico di famiglia, ma anche quello di molti altri, di tutte le generazioni che hanno creduto nell’alba. Solo il cinema poteva unire l’io e il noi. ”
Le idee sul montaggio che si trovano nei primi scritti critici di Godard sarebbero state messe in pratica in gran parte dei suoi ultimi lavori, dalla Histoire(s) du cinema a lungometraggi finali come Notre musique (2004), Film socialisme (2010), Goodbye to Language ( 2014) e Il libro delle immagini (2018). Ognuno ha visto il regista sperimentare nuove tecniche, incluso l’uso di filmati da cellulare in Film Socialisme e 3D in Goodbye to Language , che Godard ha distorto in accattivanti composizioni astratte.
È diventato anche più un recluso nei suoi ultimi anni, rifiutandosi di rilasciare interviste, accettare premi o viaggiare ai principali festival come Cannes. Quando gli è stato offerto l’Ordine al merito nazionale francese, ha rifiutato con la risposta: “Non mi piace prendere ordini e non ho meriti”. E quando è stato insignito dell’Oscar onorario nel 2010, ha rifiutato di recarsi a Los Angeles per accettarlo di persona. Il suo partner, Mieville, ha detto ai media che Godard, allora 79enne, “non andrà in America, sta diventando troppo vecchio per quel genere di cose. Faresti tutta quella strada solo per un pezzo di metallo?
L’Oscar onorario ha anche acceso una controversia sul presunto antisemitismo di Godard, con giornalisti e ricercatori che hanno riportato alla luce citazioni del suo passato e una scena del suo documentario del 1976 Here and Now in cui ha giustapposto le immagini di Golda Meir e Adolf Hitler. Nella sua biografia del 2008, altrimenti elogiativa e finemente studiata, Everything Is Cinema: The Working Life of Jean-Luc Godard , il critico cinematografico di lunga data del New Yorker Richard Brody ha scoperto altre affermazioni sugli ebrei fatte dall’autore francese, di cui non si sarebbe mai rivolto né si sarebbe scusato.
Nonostante il suo status – autodeterminato o meno – di paria culturale, soprattutto dagli anni ’70 in poi, Godard avrebbe avuto una grande influenza sui film e sui registi di tutto il mondo nei decenni successivi all’uscita iniziale di Breathless . Le New Wave che sono nate in tutto il pianeta, dal Brasile alla Cecoslovacchia al Giappone, gli hanno un grande debito, così come generazioni di registi americani emersi sulla sua scia, tra cui Martin Scorsese, Brian De Palma, Paul Schrader, Peter Bogdanovich e Quentin Tarantino , che ha chiamato la sua società di produzione Bande una parte in suo onore.
Gli esperimenti di Godard con il montaggio, i jump cut, gli intertitoli e diversi formati di ripresa avrebbero anche un grande impatto sui mezzi al di fuori del cinema, inclusi video musicali e spot televisivi. È discutibile che gli effetti collage dei primi video apparsi su MTV negli anni ’80, che avrebbero influenzato qualsiasi cosa, dalle pubblicità televisive ai film frenetici e ipertagliati di Michael Bay, non sarebbero esistiti se Godard non avesse sfidato le nozioni tradizionali di narrativa e continuità nel suo lavoro.
Nel suo lirico e malinconico film autobiografico del 1995, JLG/JLG — Self-Portrait in December , il regista, apparso sullo schermo rimuginando nella sua casa svizzera e vagando lungo le rive del Lago di Ginevra, ha discusso della filosofia che ha alimentato gran parte del suo cinema, in particolare l’idea che i suoi film riguardassero soprattutto la giustapposizione di concetti, personaggi, stati d’animo, mezzi e tecniche narrative diversi attraverso l’arte del montaggio.
“Un’immagine non è forte perché è brutale o fantastica, ma perché l’associazione delle idee è lontana”, ha detto. “Distante e giusto.”
Fonte: Hollywood Reporter
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